Le Caucus

L’impro dans les grandes lignes…

Posts Tagged ‘Del Close’

Il en faut peu… Très peu… Rien en fait…

Posted by Cid sur 2 mars 2009

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« Slow down, simplify and speak the truth ! » is the first advice given by Carol Hazenfield to improvisers… Indeed, simplicity is the secret of best scenes.

goutte-d-eau

[fra]

On n’en finit pas de découvrir le pouvoir de création du néant.

Alors que l’improvisateur débutant est souvent pris par la peur de ne pas avoir d’idée, de ne pas savoir quoi dire ou quoi faire lorsqu’il monte sur scène, l’improvisateur aguerri semble même se délecter de n’avoir rien en tête, d’en faire peu, et de prendre le temps.

« Slow down, simplify and speak the truth ! » est le premier conseil que Carol Hazenfield donne dans son livre « Acting on impulse », et nous n’avons pas fini de mesurer la justesse de ce conseil.

« Slow down ! », Prenez votre temps
Prenez ce que vous faites, comme un objet précieux dont il faut prendre soin. Estimez ce que vous créez, et passez y du temps. Ne serait-ce-que pour tirer sur une corde, ou sortir un mouchoir, prenez votre temps! Sans compter qu’on mésestime trop le pouvoir des silences et du langage non verbal. Les silences sont un bel écrin pour mettre en valeur votre création. Ils mettent la situation sur « Pause », et tiennent le public en haleine.

Entrainez vous aussi à explorer toutes les possibilités du langage non verbal (une attitude, une expression du visage, …). Les exercices en grommelot sont assez efficaces pour le travailler. Tout le travail du clown et du mime y aide beaucoup. Mais même sans cela, je préconise aussi un exercice qui consiste à être assis sur une chaise, à regarder le groupe, et de laisser aller les petits mouvements ou petits rictus, sans les forcer, et de prendre conscience à quel point ils peuvent raconter des choses et agir sur l’auditoire.

« Simplify ! », Faites simple !
Pourquoi aller chercher des idées raffinées, intelligentes, originales, qui finalement ne sont que compliquées, alambiquées, incohérentes, hors de propos. Faites simple! Quelque chose de très moyen et simple! Pour ce qui est des idées, ne donnez pas le meilleur de vous! Johnstone clame « Never do your best, because your best is not the best! » (que je traduirais par: Ne donnez jamais le meilleur de vous même, parce que ce que vous pensez être le meilleur n’est pas le meilleur!). En effet, une idée simple favorise la connexion des inconscients, et cela ne peut passer par un effort volontaire de chercher « la grosse idée qui déchire! ».

De toute façon, des idées, finalement, y’en a trop ! Il y a celles de nos partenaires de jeu, celles suggérées pas le thème, la situation, un geste, un bruit, un rien. Il y a des milliers d’idées à portée de main, il faut juste apprendre à les voir. C’est pourquoi Keith Johnstone pousse ses étudiants à toujours dire la première chose qui leur vient à l’esprit. Pourtant, avec l’expérience, on sait que la première idée qui vient n’est pas forcément la plus intéressante. Charna Halpern et Del Close préconisent au contraire de prendre la troisième…. Mais, comment atteindre la troisième si on n’a pas vu la première ? C’est donc un passage obligé : commencez par apprendre à dire la première chose qui vous vient à l’esprit (vulgaire, indécent, idiot, quoique ce soit), sans faire le tri. Partant de là, on en voit deux, trois, dix, quinze, et finalement trop … Alors pas la peine de chercher !

« Speak the truth ! », Parlez vrai !
Croyez à ce que vous faites! Le personnage que vous interprétez a besoin de vivre ! Ne le portez donc pas à moitié. Je ne veux pas dire d’aller dans la caricature, mais de lui donner vie en lui donnant des émotions et des intentions « vraies ». N’allez donc pas chercher bien loin la prochaine réplique, elle est la, dans la bouche de votre personnage, prête à bondir ! Dites là, simplement, ne la cherchez pas, et si elle n’y est pas, c’est que la réponse se fera par un silence, un geste, un regard. Prêtez votre corps au personnage en vous mettant dedans, tissez des liens extrêmement simples et dénudés avec les autres personnages, cela va créer des situations claires et chargées d’accent de vérité, le corps obéira tout seul aux intentions et émotions que son personnage vit. Obéissez aux impulsions de votre corps, lui a l’avantage d’être dans le présent, de parler vrai…

C’est pour cela que tout le travail sur les émotions est fondamental. Les exercices sur ce thème travaillent en relation directe avec le corps. Le but étant de faire monter en soi une émotion, pour qu’elle agisse sur le corps, et laisser celui-ci s’exprimer. Mais surtout n’essayez pas de commander par « l’intelligence » vos mouvements pour paraître « Heureux ! En colère ! Affolé ! Amoureux ! ». En général on n’y croit pas. DU TOUT !!!!

Vous pourrez tenir une impro de bout en bout, sans effet de mise en scène compliqué, sans avancer dans la situation, si les émotions sonnent juste. Faites les sonner faux, et c’est la bérézina ! Même avec tout l’effet son-et-lumière que vous mettrez derrière, ce sera quand même la bérézina.

NB: photo : Vagney, Vosges, France. © Angélique SCHOENY

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Porter ses personnages comme un manteau

Posted by Ian sur 29 décembre 2008

[eng]

« I’d like to see some goddamn integrity on stage. » Del Close

[fra]

Neuf fois sur dix, lorsqu’un improvisateur joue une personne âgée, il monte sur scène courbé, mime un déambulateur ou une canne, parle d’une voix exagérément instable et faible, et est presque sourd si ce n’est complètement gâteux. Est-ce à dire que toutes les personnes âgées sont comme ça ? Je ne crois pas. Et pourtant c’est ce stéréotype qui est utilisé dans la majorité des cas, celui du petit vieux handicapé par son age. Quand verrons nous enfin des seniors saints de corps et d’esprit sur scène ? *Hum* Je m’égare…

Je comprends bien le réflexe qui nous pousse à aller dans le stéréotype : obligés de créer des personnages dans l’instant et de clairement faire comprendre qui l’on est aux autres – public et partenaires -, nous nous raccrochons à ces portraits grossiers de personnages. Parfois, l’utilisation de tels stéréotypes est utile. Mais lorsque cela devient un réflexe et que nous devenons incapable de produire autre chose que ces stéréotypes, je me dis qu’il y a un problème.

Est-ce bien, est-ce mal ? Un des critères que j’utilise pour juger si ce que nous faisons sur scène est bon ou mauvais est celui de la peur : faisons nous ce que nous faisons sur scène par choix assumé ou par peur ? Si c’est par peur, en général, les techniques que nous utilisons ne nous servent qu’à cacher un malaise plus profond et nous empêchent d’atteindre notre but : raconter une histoire, divertir, intéresser, jouer ensemble, et en l’occurrence ici, jouer des personnages crédibles.

mamie

Faut pas pousser mémé dans les orties, quand même…

Souvent, nous portons nos personnages comme des armures, parce que nous avons peur. Le stéréotype du petit vieux quasiment sourd et incapable de se déplacer est souvent un moyen pour l’improvisateur de se protéger. Incapable d’entendre, il ne lui est plus nécessaire d’accepter les propositions des autres, de se jeter en avant dans la construction de la scène et de faire avancer l’histoire. Et les déplacements lents du personnage permettent au joueur d’avoir le temps de « trouver une idée » au milieu de la scène s’il en a besoin.

Alors que notre capacité d’écoute et notre capacité à réagir sont essentielles sur scène à nous autres improvisateurs, les personnages que nous portons comme des armures, comme celui du petit vieux, ne nous permettent justement pas de remplir nos devoirs sur scène. En clair, nous nous en servons pour nous protéger.

Keith Johnstone n’aborde quasiment pas la question des personnages. Il se concentre plutôt sur l’acteur et propose tout un tas de techniques pour améliorer le jeu d’acteur, dont le profond travail sur le masque qu’il aborde dans Impro. Je ne détaillerai pas ici ces techniques (peut-être dans d’autres articles…), je vous renvoie à ses livres. Mais ce qui ressort à la lecture de ses livres ou lorsqu’on assiste à ses ateliers, c’est qu’il pousse essentiellement à la sincérité sur scène. En atelier, lorsqu’il propose des exercices, il demande surtout aux gens « d’être normaux.«  Lors d’un atelier, il nous disait qu’un conseil que donnent souvent les acteurs plus expérimentés aux plus jeunes est de « ne pas jouer ! » (« Don’t act ! »).

Del Close dit à peu près la même chose, il me semble (mais de manière plus violente). Dans Guru : My days with Del Close de Jeff Griggs, on peut lire ces propos qui lui sont attribués :

I’d like to see some goddamn integrity on stage. Are we so incompetent and unenlightened that we can’t elevate ourselves to have some sort of dignity when we perform? You have to treat your scene partners like artists and poets. When you lower yourself to play retards and obese people, you pander to the audience and you insult your scene partner, the audience and me.

All of these big, broad, ridiculous characters have to stop. You should wear your characters like a thin veil. It should be an extension of you. We’re interested in creating honest and sincere characters. These characters will certainly have quirks and blemishes, but we’re here to celebrate those, not ridicule people for having them.

Ce que je traduis par:

J’aimerais voir un peu de putain d’intégrité sur scène. Sommes nous si incompétents et si peu inspirés que nous ne pouvons pas nous élever à avoir un peu de dignité lorsque nous jouons ? Vous devez traiter vos partenaires comme des artistes et des poètes. Lorsque vous vous abaissez à jouer des demeurés et des gens obèses, vous cédez au public et vous insultez votre partenaire, le public et moi.

Tous ces personnages gros, larges, ridicules doivent cesser. Vous devez porter vos personnages comme on porte un voile fin. Ils devraient être une extension de vous. Nous cherchons à créer des personnages honnêtes et sincères. Ces personnages auront certainement des bizarreries et des imperfections, mais nous sommes là pour les célébrer, pas pour ridiculiser les personnes qui les ont.

Dans le paragraphe suivant, on peut lire ces propos de Bill Murray :

I wear my characters like a trench coat. […] That is what Del taught. Roles are really you underneath.

Ce que je traduis par:

Je porte mes personnages comme on porte un imperméable. […] C’est ce que nous enseignait Del. Les rôles sont en fait juste vous en dessous.

Del insiste sur le fait que de tels personnages sont insultants pour le public et nos partenaires. Insultants pour le public, car nous préférons obtenir un rire facile avec un stéréotype alors qu’on pourrait très bien présenter des personnages plus humains, qui poussent le public à l’identification et à la réflexion. Insultants pour nos partenaires car ces gros personnages mal taillés sont souvent une excuse pour nous enfermer dans notre monde et ne pas écouter les propositions de l’autre.

Ne portons pas nos personnages comme des armures, mais comme de simples manteaux. Le personnage pourra alors se nourrir des réactions de la personne qui se trouve en dessous et semblera alors plus crédible, plus juste, plus humain.

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